This week we focus on Drew Caines based in Yorkshire, UK. His ceramic work is perfectly well executed for the aesthetic that it is intended for. The meticulous nature of the work is why I really admire Caines, it takes a very high level of skill as well as a great level of patience both mastered over a strong and long career for Drew. He certainly is consistent with the quality in the work and I myself find it very inspirational. Please comment below as usual and enjoy this detailed interview.

Who are your favourite artists? What makes them stand out to you? 

I take most inspiration from the generations of anonymous artists from around the world who have created beautiful art from the Neolithic through to the present day. Artists such as the ancient cave painters of France and Spain, the carver of the Willendorf Venus, Mexican folk artists and the sculptors of ancient Assyria. I love the purity of their work, driven by emotion and the desire to leave their mark. Cultures change and develop and we can never really know the cultural significance of their work but the basic human desire to create is timeless and placeless. These are just a few examples, I could create an almost endless list. The British Museum is my favourite treasure house of art because it houses such a concentration of outstanding art spanning millennia and continents. More conventionally, I love the work of Vincent Van Gogh, Louis Bourgeois, Frida Kahlo, Egon Schiele, Grayson Perry and KAWS among many others. I’m quite eclectic in my taste but I tend to like work that has a psychological and emotional edge, usually figurative, though I do appreciate abstract work too. In the 20th Century there were a lot of competing “isms” where people declared pompously that what they were doing was the true path of art and everything else was rubbish … I think we are well past that now and personally speaking what matters to me is how a piece of art makes me feel and how I can relate to it. This can be because of the subject matter or the technique or even the medium. I like artists who are telling a story or compulsively creating.  One of my all time favourite artists is Henry Darger, a man who worked as a caretaker during the day and at night created a whole private universe with his art. When he died his neighbours discovered a treasure trove of writings and pictures … If you have never seen his work I urge you to check it out … a unique viewpoint, emotion, composition, colour, line, collage, unusual techniques … It’s all there. A real genius.

 

 

What is the process for your paintings? What is your preferred medium you use? 

These days Im primarily working with ceramics (though I do some drawing and digital art). As a child I always played with plasticine and I love the physicality of clay which takes me back to those childhood days. Clay is very versatile and direct, it takes texture well and can be used to sample objects and textures which you can then cut, tear and paste back together, remixing to create depth and interest to the surface and form. I really like punk and dub music and I’m influenced by their techniques and aesthetics … music and ceramics are totally different media but taking ideas from one sphere into another often opens up new pathways and can enrich your work in unexpected ways. I’ve always kept sketchbooks and constantly work in and refer back to them but when It comes to making my work I don’t sketch it out first. I use my sketchbooks to explore themes but I visualise my finished pieces in my mind and usually build on previous work I’ve made, developing ideas from smaller into larger more complicated pieces. Recently I’ve been experimenting with mixing up ceramics and photography to create 2D images. Taking photos of my ceramics and mashing them up with photographs from nature and digital techniques. My main theme is nature and how we as human animals relate to it.

 

 

 

 

 

 

What is your opinion on the art market at the moment? Do you find it a challenging industry? What do you like about it? What do you dislike? 

In some ways, despite the Pandemic, there are more opportunities than ever before. The Internet and social media mean that it is easy to research and contact galleries. Platforms like Instagram mean you can connect directly with patrons throughout the world. Your art may be individual and appeal to only a small percentage of people, but if your potential audience is millions even billions that is still a significant amount of people. For me as a ceramic artist, two things hold me back, one is practical and one is almost philosophical. Practically my work is fragile so this limits the galleries I can exhibit in to those I can personally deliver to. I often  have enquiries from abroad but the logistics often just don’t work out. I have sold work privately to America, France, Norway, Canada, Belarus and even Australia but the shipping costs were greater than the value of the work in some cases. The other problem is that working with clay means some people pigeonhole you as a craft artist. Although Grayson Perry has broken the mould in some ways, a lot of people still think of craft when they see art made from clay and this suppresses the prices you can achieve. There aren’t many contemporary art galleries in the UK and particularly the North which is a problem in itself, so I tend to sell more through craft and design galleries. In a nutshell £300 is an expensive piece in a craft gallery whereas £10,000 is expensive in a contemporary urban gallery. I find Instagram is a way round this to some extent as individual patrons are more open minded than galleries and relate to my art on its own merits rather than mediated through the gallery space it is appearing in. One of the problems I find with the contemporary art scene is there is a tendency to sell safe “commercial work” … I don’t have anything against work that is commercial … after all it just means people like it and want to buy it. When I say “commercial” what I really mean is derivative … many galleries are full up of poor quality Banksy or Warhol rip offs or a whole slew of other work that is essentially poor quality versions of something else. I know there is better, more original work out there which I’m sure would be just as commercial if galleries were a bit braver and made the effort to discover and promote it. I think galleries have been a little bit slow to react to changing times and the online world. Throwing up a clunky website is no longer enough, they need to be more proactive and embrace the challenges and opportunities of social media.

Do you have any advice for artists wanting to be represented by galleries or any advice for any one beginning their art career?

 

To steal a slogan from Nike … Just Do It! If you want to be represented in a certain gallery, research them (don’t waste time approaching galleries that obviously don’t handle artwork like yours) and approach them directly. Email and DM on social media are the best ways. Unlike the old days where you would have to lug a portfolio around physically to places, its much easier now. its also easier and less bruising to your ego to be rejected by email than face to face. I would probably make an initial approach with a SHORT covering letter, artist statement and brief list of any relevant exhibitions, commissions  or awards and maybe 3 or 4 images (make them suitable for screen rather than massive print ready files) and most importantly a link to any website or social media. People are busy and don’t have time to waste reading essays or downloading loads of massive images … If you are a visual artist your images should sell themselves and what you send should ideally pique the interest of the reader enough to have them visit your social media/website. SO get your website, social media, artist statement and photographs of your work in order before you contact anyone … I can’t stress how important this is, because this is what you will be judged on. Especially make sure you have good quality photos of your work. Lastly I’d say don’t be afraid of rejection … A lot of the time it comes down to personal taste or house style. It doesn’t mean your work is not good enough. Personally I’ve had galleries go out of their way to contact me and others have rejected me out of hand … so keep going. Finding a good fit of gallery is the most important factor, remember there is a whole world out there, maybe there is a gallery in France or South Korea that is just right for you … Instagram is a great tool for researching galleries because you can see exactly the sort of work they are exhibiting and also sometimes they have open calls for exhibitors. Once you have established contact with a gallery or patron, take the time and put in the effort to develop a relationship with them, the art world like everything else runs on relationships. I almost forgot, sign up to email mail out lists like Curator Space and the Arts Councils weekly mail out … I’ve found many opportunities this way.

 

Did you study at art school? If not, where did you study and what? 

 

I had a bit of a convoluted route into art. I went to a Grammar school and in the first year we had one art lesson … we drew the colour wheel … then the teacher died and they never replaced him so that was my art career at school (we didn’t even colour in the colour wheel). I went on to university to do a degree and a masters in Computer science and Economics, but all the time I was drawing and painting so I started freelancing as an illustrator for small niche publications and the games company Chaosium. In some ways this was a benefit because I developed my own distinctive style but in others, I didn’t learn a lot of basic practical stuff. Later when I was 25 I did a GCSE in art at night school just for fun and Rob (the man teaching it) did a pottery night class and suggested I might enjoy doing it. This was the mid 90s and luckily there was an Art college in Wolverhampton that allowed you to do a self funded degree part time (but you could go in and use the facilities as much as you liked) and I got a place on the basis of my GCSE portfolio and night class pottery. I stayed there about 18 months but I was really getting involved in Environmental, social justice and Vegan activism (Ive been Vegan for over 30 years), so I left  to do that pretty much full time. Wolverhampton was a great art college with really good ceramics facilities and friendly supportive lecturers (although they didn’t actually teach you much).  By this time computer graphics, web stuff and desk top publishing was starting up and with my art/computer background it was easy for me to slip back into freelancing to support myself, creating graphics and websites for campaign groups, charities and ethical businesses. To cut a long story short, I did that for about 10 years, then worked at a community art workshop with a pottery as a technician for a couple of years, had three kids and was a stay at home dad for 6 years until I finally got a studio with East Street Arts and started my art career as it is now.

 

What inspires you in your work? 

 

I’ve mentioned already how much I like historical and folk art. I get a physical buzz from seeing what previous generations of artists have created. I also take a lot of inspiration from nature, I’d go so far to say that nature is the greatest artist. Increasingly I’m also finding inspiration from making contact with artists around the world via social media (Instagram). The opportunity to not only see people’s work but also to interact directly with them is completely new … I can see something really inspiring and immediately contact the artist to discuss it. It really is a new world and the sheer volume of interesting art you can expose yourself is amazing. The events of the last year, Covid, lockdowns, BLM, the Trump presidency and the climate emergency have also affected my work, maybe not overtly, but you can’t help being affected by so many fundamental changes and challenges to our way of life.

 

 

How do you manoeuvre through your industry?

 

Just as best as I can. I mentioned before that I was a stay at home dad for 6 years and I still have a lot of parental responsibilities which is a limit on what I would like to do. I’ve been relatively successful over the last few years developing a small network of galleries I exhibit in and a base of patrons who are buying my work around the world but if I had more time I think I could take the next step forward. I use email and social media as my main conduits for contacting people but when I deliver work to galleries I always take the time to discuss things face to face. Building relationships is vital in the art world.

 

 

Do you have a routine on a day to day?

 

Obviously kids are off school due to the lockdown so homeschooling is big on my agenda at the moment but in more normal times I do have a fairly regular routine. I take the kids to school in the morning, check all my emails, Instagram, follow up leads etc. (from places like Curator Space and the Arts Council) … before getting to my studio as early as possible. Making art is what I enjoy not all the rest, but its important to keep on top of opportunities, develop contacts and patrons so its got to be done. I’ll then spend the day making in my studio until I have to go and pick the kids up from school, its quite a short day so I really try to stay focussed on what Im doing. If I’m not too busy (and times are more normal), I’ll spend a bit of time talking to other people in my studios and seeing what they are up to. Being an artist is quite solitary so its nice to have some interaction with other people who are also following the same path … for the companionship but also for inspiration, technical advice, ideas and support. I usually work on my sketchbooks and do a bit of Instagram in the evening once my kids are in bed.

 

Instagram accounts: INSTAGRAM 1  INSTAGRAM 2  INSTAGRAM 3